午夜牛郎

虽说看本片时出现了乌龙（播放视频元件的倒插），以及成片自身有着美国独立片的一些通病，即简单粗暴的人物线和语境塑造后，更多的元话题被弄成了彩蛋一样，但不管怎样，本片依旧是我的心头好。【先夸一下达斯汀的演技！真的是演什么像什么，眼睛里的泪光与神采比强沃特好太多了！】

果然自己还是喜欢这个海报，就是不知道是P的，还是就是CC的

这里太圈粉了，演得太好了，好想流泪的那种。

应该不止一个人说过剪辑的好。那大胆的闪前，插叙和幻想所带来的威力，过了这么久，依旧可以将人折服。疯狂的反叛信息也是像狂风暴雨一样，从开头到结尾，一路砸向观众。严肃的宗教，稳定的社会规则，循规蹈矩的生活，现代的物质发展，乃至更本质的，好莱坞的保守传统，都被剪辑师用画面宣泄了一顿。但，仅仅是这样吗。当然不是，本片的剪辑远远比这些浅层的东西要精密地多。

还是提一下，如何反应人物的融入，这俩镜头剪在一起就又感觉了。

首先，我们先从剧本上面来看。编剧一直在骗我们，让我们以为这是个双人戏，包括海报都是在告诉我们这一点，但实际上呢，本片就是一个单人戏，就仅仅只是乔一个人的生活，而小瘸子也只是一个过客，作用大概和闪回之中一直提到的被强奸的女孩一样，对乔来说是一种“痛苦”经历的注脚，如果将这个人物的整个经历给缩小来看，类似于陀翁小说之中那些“被观察”的悲剧小人物（《被侮辱》开头），自己的生命片段给故事的呈现叙述者带来冲击的同时，也有着为整个情节定调子的作用。

我们再继往深度上来看一下，抛开社会学，道德反思和语境上的表达，本片的内涵与呈现出来的外在很不一样，有着更加普世的悲天悯人的底色，既无法逃脱的，注定发生的悲剧。这是一种古典的宿命感。我们将几段闪回一起拉起来看一下，实际上，所有的闪回的主角都是乔一个人，包括片中一个小时处的那段幻想，看似是小瘸子是绝对主角，但实际上二者在这个场景里的重要程度是相同的。而这些有什么作用呢？我个人认为，黑白画面加上幻想等于以前和刚发生的“情感”（大部分是负面的），而剪入的现在的场景则是简单直接地告诉观众，“上述过程”不管乔愿不愿意，都会冲入他的人生。这是导演展现给观众的一种痛感，如同被强奸。

大概，嗯，就这意思。。。。

继续说导演是怎么表达“注定发生的悲剧”，或者说（单单的俩段悲剧的重合）这个想法的。开头的公车戏，虽然现在来看有冗长的嫌疑，但不妨碍这段戏的重要性。祖母的形象，在此时带有一种依耐性和美好的元素，再加上神父和牛仔的出现，以及小镇小房子的出现，这使得将这个“过去的生活地”变得真实可信，而祖母就是“过去的生活地”这个大环境的延伸。后来我们顺着闪回去找，也就会发现在被小瘸子忽悠后的那段闪回里，突出了神父的形象，为什么呢？这说明神父洗礼这段经历，对于乔的来说，是一种被欺骗的伤心感觉，配合着慌张地奔跑，影像的表现力也是拉满了（当然，这是后话。）而后面乔想泄愤但是并没有做，反而加入自己小时候砸坏镜子的场景，则是说明他自己对刚才发生的事情的一种接纳和忍受。

神父和瑞克“小瘸子”，在这个时候，俩人对于主角来说还是同种人

说到这里，对比过去的场景【西部小镇】和现在的场景【纽约】中男主的经历就可以明白了，至少在第一幕中，这俩个靠剪辑所塑造出来的{平行时空}之中的男主，都是一开始被美好的，还带有一种男孩子恋母的感觉所喜爱和依附，可是过了一阵子，便在电影中同时带给了男主伤痛，而男主在形式主义的反抗后，便只能选择接受。

可是，如果只是如此，本片当然还不足以称神，毕竟，预言的感觉和悲天悯人还没有体现出来呢。真正封神的地点，在于分出来的第二幕，靠，直接一段闪回把“过去时空”的痛苦呈现在观众面前，并且夹杂着模棱两可的剧情，以及纯粹的，有关小瘸子的幻想。这样一来，主角身上所承担的过去的悲剧性，以及当时的生活对人物的压迫，甚至简单地剧情上乔为什么要去纽约，一并给解释了，再加上那混剪本身的惊艳狂躁，黑暗的人群和奶奶所带来的压迫性的绝望，以及高楼坍塌和铁网冷寒，太牛逼了。更重要的，应该还有一点，就是导演似乎是故意地将小瘸子，也就是即将大放异彩的角色，瑞克的身份模糊，来欺骗我们。小瘸子瑞克在前面的闪回之中，代表的其实是类似于小镇神父，是带给乔痛苦的存在，而在第三幕的闪回之中，则是代表着和安妮一样，被着这个环境所欺压，和乔同病相怜的存在。导演没有明说，而是把瑞克放入乔的幻想中，和小镇的小牛仔们在一起。象征了他属于“环境”（不过当然不是小镇）的同时，也通过与安妮一起混剪时的暴力倾向婉转的表达了乔对他的猜忌和不了解。的确很妙。

这段剪辑真的很棒，而且也确实有种骗观众的感觉。看了之后，大家应该会明白的。

接下来的戏份，直到瑞克对乔说出自己病重的事实那里，我们可以发现，二人共同的生活，除去是相互接纳包容的过程外，还有就是乔对瑞克的观察，这个元素在墓地一场戏就点明了，并且通过对话中对家庭的叙述，为后面来群O派对二人参加的戏份做到了一个奇妙的互文照应，对当时的道德感的败落以及思考很巧妙的表达了出来。而这些事件所构成的经历，到瑞克表示自己病重之时，给了乔，乃至我们极大的震撼，这是重演的结局，俩个同病相怜者的被迫别离。

公车戏的这一段是一种受伤后的缓和，以及紧紧接着上文，是持续的命运。

到了这里，再加上后面来的公车戏与前面公车戏的照应，以及乔对地下神父的殴打（剪辑有性暗示，勃起和射O），就会发现有更大的悲剧性在里面，又一个被主角抛弃了的场景，但是同样的给了主角以后或多次记忆起，像是一个时不时流血的伤疤。而公车司机在提到“不过一场小病”这句话时，专属于美国的社会批判和通用于世界的孤独人生同时被点了出来，小聪明·也是恰到好处。以及最后那个伤心到爆的镜头，美好的图景只是脏兮兮的车窗上的浮动幻影，天，太让人伤心了！

就这个台词，情感实在是没绷住，流了泪

这镜头太好了，妙啊，可是也太伤心了。

唉，恒古的悲天悯人，在现代的创作下，依旧可以有着如此厉害的冲击力，本片不说是神作，也起码是上好的佳品了。十分推荐！

（PS，因为害怕被审核掉的缘故，所以说，图就少放一些，这样一来，也许就会让人感到讲得云里雾里的，不过看过的应该就比较明白我的意思吧，哈哈）

1963年约翰 肯尼迪遇刺，同年，美国政府增兵越南，随后的一系列政治谋杀和越南战争的继续，使得这一时期的青年不再相信自己的政府，他们视政治为政治家的把戏，在美国被称为“垮掉的一代”。同时各种民权运动纷纷兴起：妇女解放、反人种歧视、反对越战反同性恋歧视。游行乃至由此上升的暴动事件似乎每天都在发生。1969年发生了由同性恋者与警察的“石墙事件”。而巧的是影片《午夜牛郎》就诞生于这一年。 看过许多关于该片的评论，几乎很多人都将此片贴上“同志电影”的标签，而在中国也不知道是谁将影片片名“Mdnightcowboy”翻译成“午夜牛郎”，而这样将原本的“牛仔”译作“牛郎”就不免多了一层暧昧的含义。其实“牛仔”在美国代表着以西部牛仔为代表的一种美国精神，以我的理解，这种精神更多的来自好莱坞电影早期对“牛仔”这一形象的英雄主义的渲染。 影片主角巴克（强 沃特主演，他就是著名影星朱莉 安吉丽娜的父亲）从德州穿着一身传统牛仔装扮从德州来到纽约，梦想着成为一名出色的“男妓”。在纽约他遇到并结识了了肮脏的以偶尔偷骗点小钱为生的流浪汉里索（达斯汀霍夫曼主演），在花光自己不多的钱后，两个人在即将被拆迁的房子里艰难地生存。 这部在当年曾获得奥斯卡“最佳导演”“最佳影片”以及“最佳改编剧本”三项重量级大奖的影片在当时很多人看起来是集“脏乱差”于一身的电影，但这也无法抹去该片在众多影迷心中的地位，因为首先达斯汀霍夫曼的表演实在让人在感觉震撼之后佩服的五体投地，他那不漏痕迹的表演甚至盖过了主角强沃特，虽然强 沃特的表演同样精彩。其次，这部影片很明显的受到当时法国新浪潮电影美学运动的影响，拍摄手法前卫大胆，又有着弗洛伊德的梦境式的意识流的回忆画面以及幻想未来场面的无痕迹剪辑。 很多人将影片中巴克和里索之间的友情定义为所谓的“同志关系”甚至有人将其中细节仔细玩味为此作出证据。这当然与颇具浪漫色彩的中国式译名“午夜牛郎”有一定关系，更多的是影片中无所不在的同性恋者和异装癖者有关。而我个人则认为，电影制作者似乎在这么一个动荡的社会，以及在这样的环境之下所衍生的那些不良人群如变态版崇拜神的同性恋者、不伦男女关系中寻找一种平衡于这些复杂关系的纯真的友情。而这种友情则来自于巴克和里索的艰难为生之中。因为以巴克代表的美国传统牛仔精神已经在纽约这样的大城市荡然无存，而他的做法并不是一开始就人云亦云，放弃这种精神代言，他一直在自恋的情绪状态中艰难地维持着这种精神代言者的角色，而对于男女感情的冷淡则来自于他早些年受到的精神打击：爱人被轮奸的事实。 霍夫曼饰演的流浪汉里索似乎并无对女性有任何幻想，但他曾在酒吧对同性恋者做着出言不逊的嘲讽。海滩幻想则属于小人物的白日梦，他似乎一直那样：似乎没脸没皮，偶尔做点偷蒙拐骗的小恶，但又永远对自己的生存担忧。他的幻想被巴克的“妓男美国梦”重新燃起，以至于不顾一切去维持朋友的梦想。最后当巴克拿来用自己第一笔“酬金”买来的阿司匹林时，他说：你能买到阿司匹林的时候，可能我早就挂了。似乎对朋友的妓男梦产生怀疑，实则此时对他们所处的社会产生怀疑，此时真正脏乱差的不是他们住的拆迁楼，而是这个已经产生诸多病态的美国社会。 最后，巴克杀人抢劫得到钱后，带着病重的里索踏上佛罗里达的旅程，路上他换了新装，将自己曾引以为傲的牛仔装扔进垃圾桶，他放弃了牛仔精神，而选择重新找正常工作，踏实做人。正当他在车上向里索讲述自己的计划时，里索已经死去......